Círculo de quintas//Jam Track Central y Free Jams Tracks

El círculo de quintas con sus armaduras en modo mayor y sus respectivos relativos menores. Cada escala mayor tiene su relativo menor.

Para comenzar habría que explicar la formación de las escalas en ambos tipos de modos , para así ayudar al desarrollo de las mismas. Personalmente me vino mejor crearlas conociendo la estructura que aprender el dibujo en sí , ya que te obliga a aprenderte las notas del mástil y así formarlas en cualquier momento. Conocer las notas del mástil te ayudará más aún en esta tarea porque conociendo la formación , tanto mayor como menor , podrás crearlas en cada punto del mástil y así evitarte quebraderos de cabeza del tipo: ¿sol era el tercer traste o era el cuarto?

A continuación explico la formación de los modos:

MAYOR

La escala mayor de DO (C) , se compone de la conocida por todos: Do , Re , Mi , Fa , Sol , La , Si , Do

Se caracteriza por tener un semitono entre la tercera y la cuarta, y entre la séptima y la tónica. La escala sin alteraciones es comenzando en Do. Esta es una escala mayor, pues la tercera desde la tónica es una tercera mayor.

• Partiendo sobre la tónica o primer grado, se formará un acorde mayor con séptima mayor. Éste será el acorde principal donde resolverán las tensiones.

• Sobre el segundo grado se formará un acorde menor con séptima menor. Éste acorde tendrá la función de sustitución de la subdominante o cuarto grado, generando una tensión menor a la de la dominante.

• Sobre el tercer grado se formará un acorde menor con séptima menor, el cual tendrá la función de sustitución de la tónica.

• Sobre el cuarto grado se formará un acorde mayor con séptima mayor, el cual tendrá la función de subdominante, generando una tensión menor a la de la dominante.

• Sobre el quinto grado se formará un acorde mayor con séptima menor, el cual tendrá la función de dominante, generando la mayor tensión. Desde este acorde o su sustitución, el séptimo grado, generalmente se pasa a la tónica, resolviendo la tensión generada.

• Sobre el sexto grado se formará un acorde menor con séptima menor, el cual tendrá la función de sustitución de la tónica.

• Sobre el séptimo grado se formará un acorde disminuido con séptima menor, el cual cumple la función de sustitución de la dominante. Este acorde generalmente se usa con la séptima disminuida, siendo éste acorde un producto del intercambio modal con el modo menor, generando aún más tensión.

• I, acorde menor
• II, acorde disminuido.
• III, acorde mayor.
• IV, acorde menor.
• V, acorde menor.
• VI, acorde mayor.
• VII, acorde mayor.

Gracias a la diferencia de  formaciones vemos , que coinciden las notas pero no los grados , aunque ya iré explicando todo con profundidad.

Un par de páginas para descargar jam tracks y backing tracks:

La primera es más recomendable para aquellos que quieran grabar o simplemente tocar por encima de sus temas favoritos. En las categorías se incluyen los siguientes estilos:

-Reggae

-Modern Soul

-Blues

-Rock

-Jazz Fusion

Cabe destacar , que colabora gente como Guthrie Govan (Asia)

Incluye formatos para PC y Mac , la verdad es que es una web bastante completa en cuanto a cantidad y variedad. Muy recomendable.

aquí el enlace: http://jamtrackcentral.com/

La siguiente centra su contenido en jam tracks , improvisación 100%.

Hay de guitarra , bajo y batería , para que nadie se queje.

Algunas lecciones , eso sí , en inglés...

aquí el enlace: http://www.freejamtracks.com/

Que lo disfrutéis!

Producción Musical 10-Final: El efecto de sonido de Delay y Echo

Aunque este efecto de sonido se llame Delay (retraso en espñaol), podemos hacer con él dos efectos de sonido muy similares: por un lado el delay propiamente dicho (retraso), y por otro el Echo (eco).
Estos dos se diferencian únicamente en el tiempo en que se escuchan los retrasos de los sonidos. Puede que pienses que no es importante este concepto, el de diferenciar retraso y eco, pero si que lo es.
Por ejemplo, el Delay tiene la funcionalidad de dar cuerpo al sonido, mientras que el Echo no tiene esta funcionalidad. También, por su parte, el Echo enriquece el ritmo, mientras que el Delay no.

Figura 14.  Con este efecto de sonido podemos
hacer delay y eco.

El primer parámetro es el tiempo de retardo. Tenemos dos opcciones a elegir: MS y STEPS. El primero se suele usar cuando queremos el efecto de delay; por su parte, se suele elegir Steps para los efectos de Echo. Recuerda: Echo es el efecto de eco. También disponemos de un control para ajustar el tiempo de retardo o eco.
El control STEPS hace referencia a la sincronización en el tiempo del eco y el tempo de la música o ritmo. Cada Step equivale a la figura de valor conocida como semicorchea. Por ejemplo, si ajustamos el eco a 4 Steps, el eco aparecerá cada figura de valor de negra.
Otro parámetro que tenemos a nuestra disposición para el efecto de sonido Delay es el conocido como Feedback. Este parámetro sirve para controlar el número de repeticiones que le daremos al eco. En español quiere decir retroalimentación. Como consecuencia, cuanto más valor le demos, más largo será el efecto de eco. Si lo ponemos al máximo, las repeticiones serán infinitas.
El valor Pan sirve para panoramizar la señal; pero ojo, no para controlar el sonido original, sino el sonido del efecto; es decir, el eco o retraso. La panoramización es un procedimiento que está destinado a ubicar el sonido dentro del campo stereo. En la práctica, con Pan ponemos el sonido a la izquierda o derecha.
Por último, el parámetro Dry/Wet es idéntico que el que vimos para el efecto de reverberación. Se trata de un control para mezclar la señal original y la señal del efecto de sonido. En la práctica tiene su función para ubicar el sonido del instrumento dentro de la mezcla musical.

Fuente: www.aprende-gratis.com

Me ha parecido un artículo muy interesante , hay bastante información sobre los pasos a seguir en una grabación ya sea casera o profesional , depende de las exigencias de cada uno. Más adelante colgaré más artículos en relación a la producción , aunque también dedicaré algunos post , a material teórico , por si a alguien le interesa.

Un saludo y espero que os sirva de ayuda.

Producción Musical 9: El efecto de reverberación

La reverberación es un efecto que sirve para simular que lo que se oye está en un ambiente o localización determinada.
Por ejemplo, podríamos simular que lo que oye la persona que está escuchando se encuentra situado en una catedral. Así pues, con el efecto dereverberación podemos simular ambientes, para recrear espacios sonoros.
Este efecto consiste físicamente en que el sonido, al revotar con los obstáculos que se encuentra a su paso, produce en el oyente una sensación de "presencia sonora" que es característica de cada espacio sonoro (ejem, un palacio, la montaña, un concierto...).

Figura 13.  Con la reverb podemos recrear un sonido en
una localizacón determinada.

El primer parámetro de la reverb es el logaritmo de la reverberación, que es solamente el espacio que queremos recrear. Por ejemplo, si queremos simular que el sonido se genera en una sala tendremos que elegir el logaritmo hall. Si es una habitación donde se generaría el sonido, podríamos elegir room.
Otro parámetro es el control size, que con él podemos elegir la amplitud del espacio que queremos recrear. Por jemplo, con este parámatro podemos elegir las dimensiones de la sala en donde se escucharía el sonido. Dispone de valores negativos también, para "achicar" el ambiente.
El valor decay significa "decaimiento" , y con él podemos controlar la duración del efecto de revreberación. Esto es útil según el instrumento al que estemos aplicando el efecto de reverb. Por ejemplo, un bajo suele tener valores muy cortos; por contra, los violines suelen tener un valor muy alto.
Por otra parte, un sonido puede revotar sobre distintos materiales. La consecuencia de esto es que hay materiales que absorben las altas frecuencias más que otros. Para controlar este aspecto tenemos el valor damp. En la práctica posamos usarlo para los bajos: al elimiar altas frecuencias se ajustará más a la mezcla.
Por último, el valor dry/wet sirve para aplicar más o menos cantidad de reverberación al sonido. En la práctica es para simular que la fuente que genera el sonido está más alejada o más cercana a nosotros. En sonidos solistas suele darse un valor relativamente bajo. Mientras, en sonidos para coro, se le suele dar un valor alto.

Fuente: www.aprende-gratis.com

Producción Musical 8: Los efectos de sonido

Los efectos de sonido son herramientas muy potentes, ya que nos permiten proporcionar al sonido un nuevo nivel en cuanto a sonoridad.
El manejo de los efectos de sonido es todo un arte; por ejemplo, hay gente que se decanta por un grupo de efectos, obviando el resto de efectos que tiene a su disposición.
Esto es así porque incluso hay efectos que proporcionan el sonido característico de un determinado estilo musical. Por ejemplo, en la música electrónica se usa mucho el eco; cosa que no ocurre en la música sinfónica.
Uno de los efectos más importantes es el reverb. Este efecto de sonido se utiliza para darle presencia al sonido de un determinado instrumento musical. Concretamente simula un determinado espacio en el que suena el sonido; puede ser una cueva, un auditorio o una habitación entre otros. En la figura 11 puedes ver un dispositivo de reverberación.

Figura 11.  Dispositivo para aplicar el efecto de reverberación

También hay otros efectos importantes como el delay (no confundir con el efecto de eco), el chorus o el phaser. El delay se utiliza mucho en todo tipo de grabaciones, para proporcionar más cuerpo a la señal. El chorus sirve para sumular un coro; en el violín se puede aplicar para simular una orquesta. El phaser se utiliza poco, principalmente en música electrónica.

Figura 12.  Efectos de delay a la izquierda, y de phaser a la derecha

El phaser es un efecto que resulta interesante; lo que hace es aumentar la intensidad abruptamente a una pequeña porción del espectro de frecuencias de la señal. Lo interesante es cuando se recorre el espectro, haciendo un barrido por toda la señal.
Tenemos dos formas de conectar los efectos de sonido. Los efectos de inserción son los que se conectan entre el instrumento musical y la mesa de mezclas. Los efectos de envío son los que se conectan directamente a la mesa de mezclas. La acción de estos últimos se establece por medio de los controles auxiliares de la mesa.
Esta lección nos servirá como introducción al tema de los efectos de sonido. Profundizaremos en las dos formas de conexión, en el funcionamiento de cada uno de los efectos vistos; ampliando la gama con los demás que existen. También veremos cuando y porqué utilizarlos, además de explicar casos prácticos.

Fuente: www.aprende-gratis.com

Producción Musical 7: La mesa de mezclas

Este dispositivo, la mesa de mezclas, es el que nos va a permitir hacer sonar simultáneamente los distintos intrumentos musicales. También puede hacer sonar los sonidos ya grabados en las pistas.
El objetivo de la mesa de mezclas es el hacer sonar todo de tal forma que suene con definición, y no suene un barullo de instrumentos sonando al unísono.
Para ello se vale de una serie de elementos que nos permitirán configurar todos los sonidos por separados para hacer así que todo suene correctamente.

Figura 9.  Aspecto que presenta una meza de mezclas para la producción musical.

Aunque a primera vista puede parecer un dispositivo muy complicado por la cantidad de botones que se ve, en la práctica no es así; ya que muchos de los botones y controles son idénticos en cuanto a la función que desempeñan.
La mesa de mezclas se divide fundamentalmente en tres partes: los canales, el retorno y el master. Los canales es toda la área central que se ve en la figura 9, el retorno está en la parte derecha superior y el master en la derecha inferior.
Los canales son similares a las pistas del secuenciador; de hecho se le suelen denominar también como pistas. En estos canales se conectan la señal de los instrumentos musicales, y es donde se le aplican una serie de parámentros para que encajen y suenen bien en la mezcla.

Figura 10.  Los elementos de los canales de la mesa de mezclas.

En la parte superior tenemos unos potenciómetros para habilitar efectos de sonido al canal. Aunque la mesa del ejemplo permite hasta cuatro efectos, dispositivos profesionales admiten hasta ocho o doce. Estos efectos permiten integrar mejor la señal en la mezcla; más adelante veremos cono habilitarlos.
Inmediatamente debajo tenemos un pequeño ecualizador que nos permitirá reforzar o atenuar los grabes y agudos con la intención de una mezcla más equilibrada, en la que no haya saturación de agudos o graves. Las mesas de mezclas suelen tener tres vías: agudos, medios y graves También suele haberu n botón para conectar y desconectar el ecualizador.
En los canales de las mesas de mezclas también hay un número que identifica al canal; y dos botones que corresponden al mute y al solo del canal. El primero permite silenciar el canal, y el segundo deja sonando al canal y silencia los demás. Estos botones se utilizan para contrastar la señal del canal con el de los demás.
La panoramización es un proceso por el cual podemos balancear la señal entre el canal derecho e izquierdo de la imagen stereo. En la práctica es el efecto de escuchar el sonido a la izquierda o a la derecha.
El monitor es la conversión de la señal en su forma gráfica. Esto nos permite saber que está sonando en cada canal de la mesa de mezclas. El fader, por su parte, es un deslizador con el que podemos controlar la intensidad de la señal del canal. En la práctica se utiliza para equilibrar el volumen de la mezcla.

Fuente: www.aprende-gratis.com

Producción Musical 6: El secuenciador musical

El secuenciador musical es uno de los dispositivos más importantes para producir música; de hecho, es imprescindible para una producción musical.
En él se emgloba muchas funciones para hacer música: desde la edición musical o la grabación, hasta el arreglo musical o la reproducción.
Consta por lo general de varias áreas, cada una con su función. Estas áreas se complementan para poder llevar a cabo la función del secuenciador. Por ejemplo, tenemos el área de reproducción o de edición.
El secuenciador va a ser entonces el que va a almacenar todas las notas musicales que hayamos grabado préviamente; y lo va a hacer de forma secuencial. Para ello, se vale de la señal externa de los diferentes instrumentos musicales que estén conectados a él.
El secuenciador suele tener una barra de botones para acceder a una serie de funciones que son muy comunes a la hora de trabajar en la producción. Esta barra se conoce con el nombre de barra de herramientas. También dispone de otra barra llamada barra de transporte, destinada al tema de la reproducción o del manejo de compases y tempo, entre otras cosas..
El inspector es el área donde se muestra toda la información relativa a las pistas; es decir, los parámetros para controlar cada pista de sonido. Por ejemplo, desde aquí podemos controlar el instrumento que conectará a la pista en cuestión, o si estará habilitada para la grabación o no.
El área de secuenciación nos permite controlar, de forma visual, todas las partes rítmicas y melódicas de las que consta nuestras composiciones. Es lo que también se hace llamar como arreglos.

Figura 7.  Las diferentes áreas del secuenciador.

Piano roll

Cuando necesitamos hacer arreglos a la grabación que hemos realizado en una determinada pista del secuenciador, debemos de utilizar el piano roll. Éste se suele encontrar en el área de arreglos, y se accede a él a través de un botón que conmuta entre el área de secuenciación y el piano roll.

Figura 8.  El piano roll para editar las notas de cada pista.

El piano roll está formado por un teclado en posición vertical. Este teclado sirve para hacer sonar notas, y como referencia para la ubicación de las notas en la parte de la derecha. La parte de la derecha se trata de un espacio en donde se ubican las notas que sonarán. La regleta está en la parte superior, y sirve para medir el tempo; además de referencia para colocar las notas dentro del tempo.

Fuente: http://www.aprende-gratis.com

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Producción Musical 5: Los tipos de micrófonos

Es bueno conocer en profundidad las distintas posibiliadades en cuanto a microfonía, así como de saber los usos de cada tipo de micrófono.
Aunque se pueden conseguir buenos resultados utilizando un micrófono "normal" en una grabación "doméstica", siempre es coveniente utilizar el tipo de micro adecuado para cada circunstancia.
La función principal de este instrumento, como ya se vió en la lección anterior, es la de traducir (transformar) las vibraciones del aire (sonido) en energía electrónica.
A la hora de elegir un micrófono tenemos que prestar atención a una serie de características que nos permiterán saber cual elegir. Estas características son:

• Sensibilidad
• Ruido de fondo
• Relación señal/ruido
• Directividad
• Impedancia

La sensibilidad del micrófono mide lo eficaz que puede llegar a ser. Expresa la relación que se estrablece entre la tensión eléctrica (de salida) y la presión del audio que incide. Esta presión sonora se expresa en pascales.
La sensibilidad suele ser expresada en dBm, que es una unidad de medida relativa; tomándose como referencia 0 dBm.
Los micrófonos no son perfectos, y como tal generan ruído, aún cuando haya silencio absoluto en el ambiente. Esto es así porque las resistencias de los componentes internos se calientan (ruído térmico). Lo mínimo exigible es que este ruído no pase de 60dB, aunque debemos fijarnos en los que tengan el menos ruído de fondo posible. Este fenómeno se conoce como ruído de fondo.
En cuanto la ralación señal/ruído, se puede decir que relaciona la señal más intensa que puede capturar el micrófono sin distorsionar y el ruido de fondo de éste. Se mide en decibélios (dB) y está en función de la presión sonira a 1Mhz.
Hay micrófonos que captan el sonido de forma óptima según la dirección de la fuente sonora: por ejemplo, un micrófono puede captar mejor la señal del sonido que viene de frente que por detrás; otro puede hacerlo en ambas direcciones. La directividad nos indica la dirección en que el micro capta mejor el sonido.

1. Omnidireccionales: captan el sonido independientemente en la dirección en el que le llegue.
2. Unidireccionales: captan mejor el sonido que llega de frente; no captando eficazmente los sonidos de otras direcciones.
3. Bidireccionales: en esta ocasión, recogen mejor el sonido que llegan de frente y por detrás; fallando en los sonidos laterales.

La impedancia es la resistencia que se opone al avance de la corriente eléctrica. En el caso de los micrófonos, si éste tiene alta impedancia y un cable largo, se puede producir una pérdida muy grande en la calidad del audio resultante. Se mide en ohmios (letra griega omega) y oscila entre 200 y 20 ohmios.

Fuente: http://www.aprende-gratis.com

Producción Musical 4: La grabación musical

Una vez que sabemos los tipos de cables de audio, como se conectan, y la forma de enrutar la señal para la grabación, podemos pasar a la grabación propiamente dicha.
Tenemos que distingir dos tipos de circunstancias a la hora de grabar: podemos grabar un instrumento acústico o eléctrico. Los eléctricos son los teclados, sintetizadores, guitarras eléctricas. Los acústicos pueden ser un violín, una guitarra flamenca...
Según nuestra grabación vaya a ser de un instrumento acústico o eléctrico, tendremos que utilizar unos instrumentos para la grabación u otros. También los requisitos cambiarán en cuanto al acondicionamiento del entorno para conseguir una grabación buena.
En los estudios de grabación, es el secuenciador es que nos permite realizar la grabación de los instrumentos musicales. Además, es el que permite el arreglo musical. Dispone de una serie de controles (play, stop,...) en el que se encuentra el botón record.

La grabación acústica

Este tipo de grabación consta de una serie de técnicas para el registro del sonido de una familia de instrumentos denominada acústicos. Estos instrumentos acústicos se caracterizan por generar su sonido por medio de una serie de propiedades físicas.
El dispositivo que recoge el audio de estos instrumentos y lo envía al secuenciador para la grabación es el micrófono. Existen muchos tipos de micros, pero, para empezar en la producción podemos decantarnos por uno de gama media. Profundizaremos en ellos en una próxima lección.
Para que la grabación sea buena, necesitamos un ambiente libre de ruidos, de lo contrario podría colarse alguna señal del ambiente indeseable. También es preciso un soporte (también llamado pie) para el micrófono, esto nos servirá para poder tocar con naturalidad sin necesidad de aguantar nosotros mismo el micro.

La grabación electrónica

Este tipo de grabación musical está destinada a registrar el audio que genera un instrumento electrónico, como puede ser un teclado o una guitarra eléctrica. El sonido se genera por medio de circuitos integrados eléctricos; similares al de los ordenadores.
Esta vez, para capturar el audio usaremos cables de audio, y no micrófonos. Estos cables ya tienen que ser conectados a la toma adecuada del dispositivo de grabación. Generalmente te encontrarás con la toma input, pero se puede llamar también linein o audioin.
En este caso ya no es necesario cuidar el ruido del ambiente; aunque para conseguir una buena grabación tenemos que cuidar la calidad de los cables y el nivel de volumen en la salida del instrumento electrónico.

Consideraciones técnicas

Hoy en día con los ordenadores actuales no hay que preocuparse por los recursos consumidos, ya que éstos son muchos. En el pasado había que cuidarse a la hora de grabar en determinada calidad de grabación. Incluso cuando se grababan señales graves, se bajaba la frecuencia de muestreo para ahorrar.
Como regla general, graba siempre a una resolución de 16 Bits y una frecuencia de muestreo de 44´1Mhz. No obstante, si tus pretensiones son profesionales, puedes grabar a 32Bits y 96Mhz.

Fuente: http://www.aprende-gratis.com

Producción Musical 3: Preparación para la grabación

Antes de poder empezar a realizar grabaciones de audio, necesitamos saber como se conectan los distintos instrumentos musicales con el dispositivo que nos permitirá la grabación.
A su vez, para conectar los instrumentos entre sí tenemos que conocer los tipos de cables de audio que hay en el mercado; ya que son éstos los que nos permitirán dirigir la señal de audio de un sitio a otro.
Aunque la enrutación de la señal por medio de los cables puede ser muy compleja, nos centraremos en una enrutación sencilla para no complicar el aprendizaje.

Tipos de cables de audio

A la hora de trabajar con sonido, se puede elegir entre una gran variedad de tipos de cables; pero los dos que más se usan son el cable RCA y el cable jack. Seguro que los conoces porque son muy comunes en el ámbito doméstico.

Figura 5.  Distintos cables de audio para trabajar en la producción musical.

El cable stereo RCA dispone de dos clavijas; una siempre es roja, mientras que la otra puede ser blanca o amarilla. Las tomas de los intrumentos para estos cables tienen los mismos colores para identificar su correspondiencia. Por su parte, las clavijas jack pueden ser chicas o grandes; las chicas son de 3.5mm, mientras que las grandes son de 6.3mm.

Enrutamiento de la señal

Con enrutamiento se quiere decir las acciones a llevar a cabo para establecer la ruta que seguirá el audio para el propósito que queramos; en este caso la grabación de la señal. Es por medio de los cables como se establece la ruta.
Todos los equipos profesionales suelen tener un puerto de salida (output) y otro de entrada (input); que es por donde sale y entra la señal en un instrumento en particular. Generalmente, a estos puertos se les etiqueta como line in y line out: por line in entra la señal al instrumento, por line out sale la señal del instrumento.

Figura 6.  Toma output por donde sale la señal
de un instrumento musical.

La L y la R significan left y right respectivamente; es decir, canal izquierdo y canal derecho. Cuando solo se conecta el instrumento por el canal izquierdo éste envía la señal en mono a los dos canales del otro instrumento.

Fuente: http://www.aprende-gratis.com

Producción Musical 2: Las etapas en la producción musical

Existen varias etapas a la hora de producir una canción musical. Lo primero es la composición de la música, es decir, establecer su partitura haciendo su melodía, ritmo, acompañamientos...
Después es preciso grabar las melodías y ritmos que hemos compuesto; pera ello nos valdremos de un secuenciador que será el encargado de registrar nuestras composiciones.
Más adelante veremos que existen dos tipos de secuenciadores, y aprenderemos sus partes constituyentes. En la figura 2 puedes ver un secuenciador:

Figura 2.  Con el secuenciador podemos grabar nuestras
composiciones musicales.

El siguiente paso en la producción musical es la mezcla. Este proceso es muy importante, y será el que más tiempo nos lleve a la hora de la producción. También engloba a otros procesos como el procesamiento o la monitorización.
Cuando suena todos los instrumentos ya grabados a la vez, suele sonar todo embarullado; el proceso de la mezcla tiene como objetivo hacer que suenen todos los instrumentos a la vez de la mejor forma posible.

Figura 3.  Con la mesa de mezclas podemos hacer sonar todos los instrumentos
a la vez sin que suenen embarullados.

El último proceso en la producción es la masterización. Sirve para darle el toque final a nuestras producciones; por ejemplo , puede ser que el volumen final no sea óptimo y suene la mezcla muy bajo. Podríamos masterizar aplicando un maximizador para subir el volumen general de la producción.

Figura 4.  Con el maximizador podemos darle una amplificación
óptima a nuestras canciones.

Estas son las partes fundamentales en la producción musical. Dentro de cada una de estas etapas hay otras, como pueden ser la cuantificación, la ecualización o la monitorización. Todas estas etapas las veremos en detalle.

Fuente:
Existen varias etapas a la hora de producir una canción musical. Lo primero es la composición de la música, es decir, establecer su partitura haciendo su melodía, ritmo, acompañamientos...
Después es preciso grabar las melodías y ritmos que hemos compuesto; pera ello nos valdremos de un secuenciador que será el encargado de registrar nuestras composiciones.
Más adelante veremos que existen dos tipos de secuenciadores, y aprenderemos sus partes constituyentes. En la figura 2 puedes ver un secuenciador:

Figura 2.  Con el secuenciador podemos grabar nuestras
composiciones musicales.

El siguiente paso en la producción musical es la mezcla. Este proceso es muy importante, y será el que más tiempo nos lleve a la hora de la producción. También engloba a otros procesos como el procesamiento o la monitorización.
Cuando suena todos los instrumentos ya grabados a la vez, suele sonar todo embarullado; el proceso de la mezcla tiene como objetivo hacer que suenen todos los instrumentos a la vez de la mejor forma posible.

Figura 3.  Con la mesa de mezclas podemos hacer sonar todos los instrumentos
a la vez sin que suenen embarullados.

El último proceso en la producción es la masterización. Sirve para darle el toque final a nuestras producciones; por ejemplo , puede ser que el volumen final no sea óptimo y suene la mezcla muy bajo. Podríamos masterizar aplicando un maximizador para subir el volumen general de la producción.

Figura 4.  Con el maximizador podemos darle una amplificación
óptima a nuestras canciones.

Estas son las partes fundamentales en la producción musical. Dentro de cada una de estas etapas hay otras, como pueden ser la cuantificación, la ecualización o la monitorización. Todas estas etapas las veremos en detalle.

Fuente: http://www.aprende-gratis.com/